Роберт Анри

Роберт Анри


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Роберт Анри родился в Цинциннати, штат Огайо, в 1865 году. Он изучал искусство в Пенсильванской академии и в Школе изящных искусств в Париже. Вернувшись в Филадельфию в 1891 году, он преподавал в Женской школе дизайна.

Анри, страстный поклонник творчества Томаса Икинса, был сторонником реализма в искусстве. Позже он вспоминал: «Томас Икинс был человеком с выдающимся характером. Он был человеком с железной волей и его волей рисовать и вести свою жизнь так, как он думал, что она должна идти. Работы у нас есть драгоценный результат его независимости, его щедрого сердца и его большого ума. Икинс был глубоким исследователем жизни, и с большой любовью он изучал человечество откровенно. Он не боялся того, что открыло ему его исследование. вопрос способов и средств выражения, науку техники, он изучал наиболее глубоко, поскольку только великий мастер имел бы волю к изучению. Его видение не было затронуто модой. Он изо всех сил пытался постичь конструктивную силу в природе и использовать в его работах нашли отражение принципы. Его качеством была честность. Целостность - это слово, которое, кажется, лучше всего подходит ему. Лично я считаю его величайшим портретистом Америки ».

В конце концов Анри стал лидером движения, которое Арт Янг назвал Школой Эш-Кана. Анри учил своих учеников, что творчество художника должно быть «социальной силой, вызывающей ажиотаж в мире». Анри также призывал художников использовать «богатый сюжет современной городской жизни». Художники, на которых повлияли идеи Генри, включали Джона Слоана, Джорджа Беллоуса, Джорджа Люкса, Дениса Вортмана, Рокуэлла Кента и Эдварда Хоппера.

В 1898 году Анри начал преподавать в Нью-Йоркской школе искусств. После выставки 1904 года один художественный критик заметил: «Г-н Анри всегда проявлял желание писать правду. Качество портретиста, вероятно, отразится на его недостатке. Когда люди общества сохраняют свои лица и фигуры на холсте, они иметь сильное желание выглядеть мило, а человек, который стремится только увековечить истину, скорее всего, окажется в немилости у богатых ".

Один из его учеников, Стюарт Дэвис, позже объяснил: «Он (Анри) рассказывал о картинах, которые мы принесли, в течение трех или четырех часов, и в процессе обсуждения этих картин он критиковал их не с точки зрения какого-то предубеждения. -установленная норма мастерства, но в отношении его собственных идей. Он говорил о своих интересах, пока говорил о живописи и в пути, так как у него было больше опыта, более целеустремленный опыт работы с культурой в целом, чем у съемочной группы. молодых людей, которые там были, его беседы были очень образовательными ».

Когда Национальная академия в 1907 году не осознала важность Генри и его последователей, он организовал собственную выставку под названием: Восьмерка. Анри утверждал: «Революционные партии, которые отделяются от старых институтов, от мертвых организаций, всегда возглавляются людьми с видением порядка, с людьми, которые понимают, что в жизни должен быть баланс, так много того, что хорошо для каждого человека. , так много, чтобы испытать жилы его души, так много, чтобы стимулировать его радость ».

Работа школы Ash Can стала более широко известна после 1911 года, когда Джон Слоан стал художественным редактором радикального журнала, Массы. Хотя им редко платили, Слоан мог использовать работы Генри, а также художников, на которых он оказал влияние, таких как Стюарт Дэвис, Джордж Беллоуз, Рокуэлл Кент, Бордман Робинсон, Роберт Майнор, К. Р. Чемберлен и Морис Беккер.

В 1913 году идеи Генри вдохновили Международную выставку современного искусства (Armory Show), проходившую в Нью-Йорке. Выставка, проходившая в Оружейной палате 69-го полка, включала более 1300 работ, в том числе 430 европейских. Выставку, проходившую с 17 февраля по 15 марта, посетили около 250 000 человек.

После окончания Нью-Йоркской школы искусств Генри преподавал в Центре Феррера (1911-18) и Лиге студентов-художников (1915-28). Книга Генри, Дух искусства, опубликованная в 1923 году, оказала огромное влияние на молодых художников Америки и Европы.

Роберт Анри умер в 1929 году.

Мистер Когда светские люди сохраняют свои лица и фигуры на холстах, они испытывают сильное желание «выглядеть красиво», и человек, который стремится только увековечить правду, скорее всего, окажется в немилости у богатых.

Он говорил о картинах, которые мы привезли, в течение трех или четырех часов, и в процессе разговора об этих картинах он критиковал их не с точки зрения какой-то заранее установленной нормы качества, а в отношении своих собственных идей. Он говорил о своих интересах, пока говорил о живописи, и в пути, поскольку у него было больше опыта, более целенаправленного опыта в культуре в целом, чем у команды молодых людей, которые там были, его дискуссии были очень образовательными.

Томас Икинс был человеком с выдающимся характером. Он не боялся того, что открыло ему его исследование.

Что касается способов и средств выражения, науку о технике он изучал наиболее глубоко, так как только великий мастер имел бы желание учиться. «Честность» - это слово, которое кажется ему наиболее подходящим. Лично я считаю его величайшим портретистом Америки.

Это беспорядок в сознании человека, который порождает хаос такого рода, который приводит к такой войне, в которой мы сегодня переполнены. именно неспособность увидеть различные фазы жизни в их конечной взаимосвязи порождает милитаризм, рабство, стремление одной нации завоевать другую, готовность разрушать в эгоистичных, бесчеловечных целях.

Революционные партии, которые отрываются от старых институтов, от мертвых организаций, всегда возглавляются людьми с видением порядка, людьми, которые понимают, что в жизни должен быть баланс, так много того, что хорошо для каждого человека, так много, чтобы испытать жилы его души, чтобы стимулировать его радость.


Снег в Нью-Йорке

Энергичный, но резкий образ Нью-Йорка в снегу Роберта Анри несколько отличается от импрессионистских городских снежных сцен того периода: он представляет собой обычный переулок, а не главный проспект; в этом изображении нет ничего повествовательного, анекдотического или приукрашенного. , одноточечная перспективная композиция лишена тривиальных деталей, исключительно смелая фактурная манера письма больше напоминает подготовительный этюд, чем законченную картину маслом, а мрачная палитра создает темную, гнетущую атмосферу. В своей Книге рекордов Анри описал Сноу в Нью-Йорке так: «Нью-Йорк. вниз по Э. на 55-й улице с 6-й авеню. Коричневые дома на 5-й авеню. Эффект шторма. снег. фургон направо ».

Вернувшись в Нью-Йорк в 1900 году после длительного пребывания в Париже, Анри в конце концов основал студию и жилые помещения в Шервуд-билдинг на углу 57-й Вест-стрит и Шестой авеню. В марте 1902 года торговец Уильям Макбет предложил ему нарисовать городские пейзажи Нью-Йорка для включения в персональную выставку, запланированную на следующий месяц. Анри надеялся создать по этому случаю картину, которая заслужит признание критиков, сопоставимое с картиной «Ла Неж» (1899, Лувр, Париж), снежным видом на улицу де Седвр в Париже, купленным для Музея искусств. № 233e du Luxembourg в 1899 году. Хотя в Нью-Йорке был найден покупатель для Сноу, была продана только одна другая работа, что побудило Анри сосредоточить свое внимание в первую очередь на портретной живописи.


Доцентский уголок | Учитель Роберта Анри, лидер «восьмерки», непокорный художник!

«Стелла», написанная Робертом Анри в 1907 году, и хотя она не была выставлена ​​на знаменитой выставке 1908 года под названием «Восьмерка» в галерее Макбет в Нью-Йорке, известна как один из лучших портретов Генри и изюминка коллекции Александра. В 1907 году Анри приближалось к 42 годам, и он был на пике своей карьеры художника, не говоря уже о его успехах в качестве вдохновляющего учителя и лидера для многих студентов.

Роберта Анри (1865-1926) не всегда называли этим именем. Его звали при рождении Роберт Генри Козад. Некоторая тайна окружает его раннее начало жизни с родителями до переезда из Небраски, кажется, что какой-то спор по поводу прав на воду или землевладения привел в ярость отца Роберта, который смертельно застрелил этого человека. Итак, посреди ночи 8-летний Роберт отправился в путь со своим братом и родителями, которые сразу же поменяли все свои фамилии.

От Нью-Йорка до Атлантик-Сити, и в 1886 году, когда Роберту исполнился 21 год, он был зачислен в Академию искусств Пенсильвании. Роберт совершил две поездки в Париж в молодости: первую поездку в 1888 году для изучения французского импрессионизма и три года спустя (после нескольких лет преподавания в Пенсильвании) в течение 1890-х годов, что привело к смене его стиля на более темную палитру. На его ранние влияния оказали влияние Гойя, Веласкес и Франс Хальс.

Вклад Роберта Анри в американское искусство на самом деле начинается с его педагогической карьеры. В 1892 году Анри преподавал в Филадельфийской школе дизайна для женщин (ныне Колледж искусств Мура). В 1893 году в Дарби-Крик, штат Пенсильвания, во время летней программы присутствовали Джон Слоан, Джордж Лукс, Эверетт Шинн и Уильям Глакенс (они должны были составить основную группу для выставки Восьмерки в 1908 году). Они поступили снова, когда он преподавал в Филадельфийской академии.

Анри был харизматичным учителем, искренне вдохновлявшим своих учеников. Во время преподавания в Нью-Йоркской школе искусств, его популярность как учителя затмила популярность его соучителя, Уильяма Мерритта Чейза, который не смог участвовать в соревнованиях, поэтому он ушел в отставку, оставив Генри управлять школой. Среди его учеников были Джордж Беллоуз, Стюарт Дэвис, Эдвард Хоппер и Рокуэлл Кент. С 1911 по 1918 год Анри преподавал в Школе Феррер-центра также в Нью-Йорке, где Ман Рэй был среди его учеников.

Идеи Роберта об искусстве были собраны бывшей студенткой Марджери Райерсон в книге «Дух искусства». За несколько лет до смерти в 1926 году Художественный совет Нью-Йорка назвал его одним из трех ведущих художников Америки. Его педагогическое наследие включало признание женщин-художников. Анри считал, что художники должны быть реалистами в Америке, заявляя, что то, что нам нужно, «это искусство, выражающее дух людей сегодня…» Это то, что он поощрял делать своих учеников, и именно это он делал в своих картинах.


Роберт Анри, Том По Куи (Вода озера Антилопа / Индианка / Рамончита)

Роберт Анри создал этот поразительный портрет Рамонситы Гонсалес (Том По Куи) (Тева, Сан-Хуан-Пуэбло) в 1914 году, в разгар Первой мировой войны. Дата написания картины, яркость палитры Анри и самобытность пуэбло натурщика - ключ к раскрытию значимости работы.

Роберт Анри, Снег в Нью-Йорке, 1902 г., холст, масло, 81,3 x 65,5 см (Национальная художественная галерея, фото: Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)

К тому времени Анри был важной фигурой в американском художественном мире и был признан ведущей фигурой в развитии стиля живописи ашканской школы. Он был главным организатором ренегатской группы художников, известной как «Восьмерка». Том По Куи был написан шесть лет спустя, относительно поздно в его карьере, и здесь мы видим изменение стиля.

Вход на Оружейную выставку Нью-Йорка, Оружейную палату 69-го полка, Нью-Йорк, 1913 год.

Новая яркость

Всего за год до создания этой работы мир искусства Нью-Йорка потрясла Armory Show 1913 года (также известная как Международная выставка современного искусства), которая стала первой крупной выставкой современного искусства, организованной в Соединенных Штатах. . В то время как некоторые американские художники (в том числе Анри) были включены в шоу, именно европейцы действительно шокировали публику своими авангардными стилями, включая фовизм, кубизм и футуризм. Для американских зрителей, которые только недавно привыкли к суровому реализму Генри и его коллег-художников по школе Ашкан, экспериментальные европейские работы были шокирующими.

слева: Роберт Анри, Фигура в движении, 1913 г., холст, масло, 196,2 x 94,6 см (Terra Foundation for American Art) справа: Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице (№ 2), 1912 г., холст, масло, 151,8 х 93,3 см (Художественный музей Филадельфии)

Фактически, один из вкладов Анри в шоу, Фигура в движении, часто сравнивают со знаменитой кубистской композицией Марселя Дюшана. Обнаженная спускается по лестнице (№2) как способ подчеркнуть решительно репрезентативный характер американского реализма с плоскими плоскостями и абстрактностью европейского авангарда. В то время как работы Генри оставались образными в годы после показа Armory, его техника становилась все более свободной, а его палитра становилась все светлее и ярче, вероятно, отчасти из-за знакомства с фовистскими работами в Armory.

Роберт Анри, Том По Куи (Вода озера Антилопа / Индианка / Романцита) (фрагмент), 1914, холст, масло 40-½ x 32-½ дюйма (Denver Art Museum)

Однако яркие цвета Том По Куи Не может быть объяснено только воздействием европейских модернистских стилей, что Генри был в Калифорнии, когда писал это полотно, также важно. Анри, живущий в Нью-Йорке, обычно проводил лето за границей, путешествуя по разным европейским регионам (важные предыдущие поездки включали Ирландию, Голландию и Испанию). Однако летом 1914 года разразилась Первая мировая война, из-за которой международные путешествия оказались несостоятельными. Как и многие американцы, чьи планы поездок ограничивались поездками по стране, Анри обратил свой взор на запад. Он сел на поезд в Калифорнию, чтобы провести летние месяцы в Ла-Хойе.

Роберт Анри, Том По Куи (Вода озера Антилопа / Индианка / Романцита) (фрагмент), 1914, холст, масло 40-½ x 32-½ дюйма (Denver Art Museum)

Анри особенно привлек яркий свет южной Калифорнии, заявивший об идеальных условиях для художников. Его близость к этому свету можно увидеть на портрете Том По Куи, где фоном картины являются не темные внутренние помещения, обычные в его более ранних работах, а скорее небрежно нарисованная обстановка, вызывающая воспоминания о залитом солнечным светом прибрежном районе, где он оказался. Пестрые мазки и яркие цвета могут свидетельствовать о влиянии европейских модернистов, таких как Поль Сезанн и Анри Матисс, но также и о влиянии западных разработок.

"Мои люди"

Анри привлекал не только свет Калифорнии, но и разнообразное население этой местности. На протяжении всей своей карьеры Анри вкладывал средства в поиск новых и интересных людей для рисования, поиск моделей различных социальных позиций, профессий, регионов и этнических групп. В Калифорнии он был особенно заинтересован в поисках натурщиков, которые, как он понимал, были разными расовыми идентичностями. Во время трех поездок в этот район он рисовал натурщиков черных, американских китайцев, американцев мексиканского происхождения и индейцев. В статье 1915 года, основанной на этих произведениях, Анри заявил: «Мне не было интересно, чтобы эти люди сентиментально относились к ним, оплакивали тот факт, что мы уничтожили индейца, что мы превращаем застенчивую китаянку в субретку. . . Я смотрю на каждого человека с нетерпеливой надеждой найти в нем что-то от достоинства жизни, юмора, человечности и доброты ». [1]

слева: Роберт Анри, Сильвестр, 1914, холст, масло, 81,2 x 66 см (Terra Foundation for American Art) справа: Роберт Генри, Там Ган, 1914, холст, масло, 60,96 x 50,8 см (Художественная галерея Олбрайт-Нокс)

Сегодня мы воспринимаем его риторику как проблематично расистскую и покровительственную, особенно в свете собственного названия статьи «Мои люди». Но желание Анри изобразить этих натурщиков достойными личностями, тем не менее, бросает вызов более жестоким расовым стереотипам, типичным для той эпохи, даже несмотря на то, что его подход мог превратиться в экзотику.

Роберт Анри, Том По Куи (Вода озера Антилопа / Индианка / Романцита) (фрагмент), 1914, холст, масло 40-½ x 32-½ дюйма (Denver Art Museum)

Том По Куи является ярким примером такой портретной живописи. С одной стороны, работа, кажется, представляет Гонзалес как этнический тип, ее красочная одежда туземцев и ослепительные серебряные украшения подчеркнуты таким образом, что, кажется, превращают ее в декоративный объект, представленный для потребления нематериальной публикой, желающей увидеть изображения. экзотической культуры американских индейцев. Тем не менее, Гонсалес смотрит с холста с самообладанием, равномерно встречая взгляд зрителя, что нарушает интерпретацию этой работы как полностью эксплуататорскую. Действия этой натурщицы нельзя игнорировать, и действительно, исторические записи о личности Гонсалес как самостоятельной художницы и исполнительницы пуэбло вносят дополнительный нюанс в анализ этой картины.

Раскрашенная пустыня

Анри нарисовал Гонсалеса не в Ла-Холье, а в соседнем Сан-Диего, на месте Панамско-Калифорнийской выставки, которая должна была открыться в 1915 году. Панамско-калифорнийская выставка проходила с 1 января 1915 года по 1 января 1917 года в Сан-Диего. Парк Бальбоа, чтобы отпраздновать открытие Панамского канала и способствовать развитию туризма в регионе. В настоящее время ведется строительство различных экспонатов Экспозиции, включая «Раскрашенную пустыню», этнографическую выставку с масштабной реконструкцией пуэбло, на которой будут представлены сотни исполнителей из племени пуэбло, навахо и апачей. Организаторы попросили несколько семей пуэбло пораньше выехать из своих домов в Нью-Мексико на место и помочь в строительстве. Среди них была и Гонсалес, приехавшая со своей двоюродной сестрой Марией Мартинес и мужем Марии Джулианом. В то время как Хулиан Мартинес служил прорабом, Гонсалес и Мария Мартинес построили большие горшки, которые служили дымоходами в жилых помещениях реконструированного Пуэбло. Когда ярмарка открылась, они продолжили производство керамики, на этот раз для продажи посетителям, которые стекались на выставку. Интерес туристов к керамике пуэбло в этот период вызвал возрождение этой практики, которая почти исчезла в конце девятнадцатого века.

Неизвестный фотограф Мария Мартинес и Рамонсита Гонсалес изготавливают глиняную посуду на выставке Painted Desert Exposition, Панама-Калифорнийская выставка, 1915 г. (фото: Музей человека Сан-Диего)

Люди на ярмарке иногда покупали горшки, но они также посещали выставку «Раскрашенная пустыня», чтобы просто понаблюдать за проживающими там коренными народами, занимающимися традиционными видами деятельности, включая производство гончарных изделий. Посетители наблюдали, как Мария Мартинес и Рамонсита Гонсалес формируют и запускают свои сосуды, а Хулиан Мартинес обеспечивает раскрашенные конструкции. Эти деятели пуэбло были художниками / исполнителями, они согласились представить себя коренными народами, живущими традиционным образом, в обмен на заработную плату, выплачиваемую организаторами ярмарки. Точно так же, когда такие художники, как Анри, посещали ярмарочные площади в поисках моделей, исполнители Пуэбло соглашались сесть или, можно сказать, исполнить свою традиционную идентичность.

Роберт Анри, Том По Куи (Вода озера Антилопа / Индианка / Романцита) (фрагмент), 1914, холст, масло 40-½ x 32-½ дюйма (Denver Art Museum)

Гонсалес, вероятно, выбрал ее наряд для Том По Куи это те же самые виды одежды и украшений, которые мы видим на ней и других женщинах пуэбло, когда открывалась выставка. Поскольку обычным средствам к существованию пуэбло угрожало вторжение белой культуры, Гонсалес и другие обратились к производству туристических товаров и представлению «Индейцев шоу», чтобы выжить. Такие изображения, как Том По Куи являются напоминанием о методах эксплуатации и экзотики, которые побудили людей пуэбло, таких как Гонсалес, взяться за исполнение своей коренной идентичности в целях финансовой безопасности. Однако стоит отметить, что одновременно эта работа задокументировала активность коренных народов в первые годы двадцатого века, когда они адаптировали местные традиции к потребностям своей современной жизни.

[1] Роберт Анри, «Мой народ». Ремесленник т. 27, нет. 5 (февраль 1915 г.), стр. 467.

Деррик Картрайт и Валери Энн Лидс, Калифорния Роберта Генри: реализм, гонка и 1914–1925 гг. (Лагуна, Калифорния: Художественный музей Лагуна, 2014)

Рут Б. Филлипс, «Игра с коренной женщиной: примитивизм и мимикрия в визуальной культуре начала двадцатого века», Антимодернизм и художественный опыт: соблюдение границ современности, отредактированный Линдой Джессап, 26–49 (Торонто: University of Toronto Press, 2001)

У. Джексон Рашинг, Искусство коренных американцев и нью-йоркский авангард (Остин: Техасский университет Press, 1995)


Ближайшие родственники

О Роберте Генри Педиго, я

История семьи Педиго в Америке Автор: Фрэнк Эдвард Дарем & # x00b7 20 июля 2015 г. & # x00b7 Эдвард Педиго (Педифорд) (Перегой) (25 декабря 1730 - 26 апреля 1834)

Эдвард Педиго, которого в семье часто называют великим сиром Недом, был сыном Генри Перегоя, старшего из округа Балтимор, штат Мэриленд, от его первой жены Эми Грин. Его дедом был Джозеф Перегуа (1665-1720), который иммигрировал в Мэриленд из Франции в 1685 году. Согласно семейной традиции, Эдвард и его старший брат, Роберт, в подростковом возрасте сбежали из дома, спасаясь от притеснений тиранической мачехи. Два мальчика изменили написание своего имени на Педиго и поселились в долине реки Йорк в Вирджинии. Позже они переехали в пустынный регион Южного Пьемонта, который сейчас находится в пределах округов Патрик и Генри. Именно здесь братья женили сестер Элкин Эдвард на Ханне Элкинс и Роберт Мэри Элкинс. В обеих семьях были сыновья по имени Джозеф, Генри, Элайджа и Джон, и у обеих были дочери по имени Элизабет и Эми.

В письме от 8 ноября 1904 года Джордж Эдвин Педиго (тогда ему 86 лет) написал из Рэндольфа, округ Меткалф, штат Кентукки, следующее:

В 1805 году мой дед, Джозеф Педиго, переехал из Вирджинии в Кентукки и поселился недалеко от Плезант-Хилла. Дом находится на купленной им земле (250 соток в 1816 году). Через два или три года после этого он вернулся в Вирджинию и перевел дедушку Неда в Кентукки и поселил его на части своей земли. Великий отец Нед жил там до смерти своей жены, затем пошел к своему сыну Джозефу, жил и умер там. Моя мать умерла, меня поместили к бабушке и дедушке (Джозефу и Долли Эдвардс Педиго), и я ждал дедушку Неда, пока он не умер. Он был похоронен в 2 милях к северу от церкви Плезант-Хилл. Значит, здесь нет кладбища. & # X201d

Эдвард Педиго приехал в Кентукки со своим старшим сыном Джозефом, который переехал туда тремя годами ранее. Джозеф Педиго женился на Дороти Эдвардс в Вирджинии в 1783 году, и когда пара переехала в округ Баррен, штат Кентукки, в 1805 году, их сопровождали несколько братьев и сестер Джозефа, в том числе братья Генри, Леви и Элкин. Затем Джозеф вернулся в округ Патрик, штат Вирджиния, чтобы забрать своих родителей в их новый дом. К тому времени Эдвард был стариком примерно 73-летнего возраста. В конце концов, он дожил до преклонного возраста 104 лет и умер 26 апреля 1834 года недалеко от Рэндольфа, Кентукки (согласно библейской записи Джона Грогана Педиго, внука Эдварда и Ханны). Первоначальная усадьба была расположена в округе Баррен недалеко от деревни Рэндольф, но сейчас находится в округе Меткалф, образованном из Баррена в 1860 году. Считается, что Эдвард и двое его сыновей (Джозеф и Генри) были похоронены на бывшем семейном кладбище Педиго. расположен примерно в 0,1 миле к югу от Рэндольфа. Точное местонахождение кладбища определить невозможно, в последние годы его выровняли бульдозером.

Нынешняя форма имени, Педиго, была принята ветвями семьи Вирджиния и Кентукки, но семья Мэриленда остается одной из более старых форм - Перегой. Однако существует несколько признанных форм с таким же названием: Pedego, Perego, Peregory, Peregoe, Perigo, Pedigoy. Эти формы взяты из различных документов, и в одном старом завещании таких форм пять.

Эдвард Педиго был американским патриотом и имеет большой и интересный послужной список не только в Войне за независимость, но также во французской и индейской войнах. Он служил в ополчении округа Галифакс, штат Вирджиния, записанный в сентябре 1758 года как Эдвард Перегой, в течение двух периодов до этой даты. Он был с Вашингтоном в форте Дюкен, на месте поражения генерала Брэддока, и был одним из тридцати вирджинцев, которые покинули поле битвы живыми. Когда колонии восстали против Англии, Эдвард служил в Войне за независимость под именем Эдвард Педифорд (вместе с другими вариантами написания) и служил рядовым в 3-м, 5-м, 7-м и 11-м полках Вирджинии. После войны он получил земельный ордер от Земельного управления штата Вирджиния на три года службы на континентальной линии.

Впервые он поступил на службу 13 февраля 1778 года на один год и служил в роте капитана Чарльза Флеминга, Седьмая Вирджиния Фут, под командованием полковника Александра МакКленачана. Поскольку полки Вирджинии часто объединялись и реорганизовывались, Эдвард вскоре попал в роту капитана Генри Янга 3-го и 7-го полков, а затем в 5-й и 11-й полки. Некоторые из его списков на сборы имеют большой исторический интерес, показывая его с Вашингтоном в Вэлли-Фордж, в Морристауне и с войсками, помогающими флоту D&X2019Estaining & # x2019s в Саванне. Он участвовал в боевых действиях в суде при битве при Монмуте 28 июня 1778 года. В списках сборов за декабрь 1778 года говорится о его повторном зачислении на военную службу на время войны. Его последняя выжившая миссия датирована & # x201cCamp около Морристауна, 9 декабря 1779 & # x201d, но это не свидетельствует о его более поздней службе, что подтверждается его военным земельным ордером от 12 января 1784 года, в котором говорится о трех годах службы. Почти наверняка Эдвард был с остальными солдатами и офицерами Линии Вирджинии, когда они были захвачены британскими войсками при осаде Чарльстона 12 мая 1780 года.


Роберт Анри - История

Примечание редактора: Музей американского искусства Миннесоты предоставил журналу Resource Library Magazine исходный материал для следующей статьи. Если у вас есть вопросы или комментарии относительно исходного материала, пожалуйста, свяжитесь с Миннесотским музеем американского искусства напрямую по этому номеру телефона или веб-адресу:

Роберт Анри и его влияние

26 октября - 31 декабря 2002 г.

Музей американского искусства Миннесоты представляет выставку Роберта Генри и его влияние до 31 декабря 2002 года. На ней представлены картины, гравюры и работы на бумаге Роберта Генри и 11 художников, связанных с первыми американскими современными движениями в 20 веке. Школа Ашкан и Восьмерка. (слева: Уильям Глакенс (1870-1938), Пляжная сцена, остров Адам, дата написана неизвестно, холст, масло, MMAA Margaret MacLaren Bequest)

Эта выставка представляет огромное эстетическое разнообразие, которое характеризовало эти движения, от портретной живописи до уличных сцен, и роль Генри в формировании их направления. Включены работы Генри и других участников восьмерки - Артура Б. Дэвиса, Уильяма Глакенса, Эрнеста Лоусона, Джорджа Люкса, Мориса Прендергаста, Эверетта Шинна и Джона Слоана - и других художников, на которых оказал влияние Генри, включая Джорджа Беллоуза, Артура. Б. Карлес, Уильям Меррит Чейз и Уолт Кун.

Анри оказал глубокое влияние на американское искусство. Популярный учитель и сторонник авантюрных стилей живописи, он сформировал «Восьмерку» и «Школу Ашкан». Его динамичное присутствие как художника и педагога, а также его энтузиазм в отношении деталей жизни вселили в американских художников новую уверенность. Под руководством Анри в качестве неофициального лидера в 1907 году была сформирована инновационная группа художников, известная как «Восьмерка». Под влиянием газетных иллюстраторов среди них они были полны решимости реалистично изображать городскую жизнь. В то время Америка разрывалась между экономическими крайностями, промышленники накопили огромные состояния, а массовая иммиграция привела к городской бедности. Точность их картин с изображением нью-йоркских трущоб привела к прозвищу «Ашканская школа». Хотя «Восьмерка» провела только одну выставку как группа в 1908 году, несколько участников сыграли важную роль в организации знаменитой Нью-Йоркской оружейной выставки 1913 года, которая произвела революцию в американском современном искусстве. (слева: Эверетт Шинн (1876-1953), Старый автобус, 1904, бумага, пастель, покупка фонда MMAA Weyand)

«Роберт Генри и его влияние» был организован из коллекции Мемориальной картинной галереи Шелдона в Линкольне, штат Небраска, и дополнен работами из Миннесотского музея американского искусства и частных коллекций.

«Восьмерка» и «Школа Ашкан» представляли собой огромное эстетическое разнообразие, которое стало характерной чертой истории современного искусства в Соединенных Штатах. По сути, они функционировали как выставочная группа с общей философией, а не с общим художественным стилем. Члены «восьмерки» сыграли важную роль в организации и продвижении знаменитой Нью-Йоркской оружейной выставки 1913 года, первой в Америке дозы европейского модернизма, которая стала переломным моментом в американском искусстве и культуре. Джордж Беллоуз, Артур Б. Дэвис, Уильям Глакенс, Уолт Кун, Джордж Люкс, Морис Прендергаст, Эверетт Шинн и Джон Слоан, представляющие весь спектр художественных стилей, которые демонстрируют масштаб влияния Роберта Генри, связаны с этим первым американским набегом. в модернизм в двадцатом веке.

Первоначально Роберт Генри Козад, Роберт Эрл Генри родился 25 июня 1865 года в Цинциннати, штат Огайо. Его отец, Джон Джексон Козад, был бывшим игроком, а затем застройщиком, а его мать, Тереза ​​Гейтвуд Козад, была домохозяйкой. В 1873 году он и его семья переехали на запад, на великие равнины Небраски, где его отец основал город Козад. Город был населен в основном фермерами, и, поскольку их фермы занимали отборные пастбища, у отца Генри были проблемы с уже состоявшимися скотоводами, жившими там много лет. Однажды вечером в 1882 году один из владельцев скотоводческой фермы напал на отца Генри с ножом. В порядке самообороны он смертельно выстрелил в него из пистолета, после чего скрылся. Хотя позже он был очищен от любых проступков, он так и не вернулся. Вместо этого он поселился в Денвере, штат Колорадо, где его семья позже воссоединилась с ним. Чтобы отмежеваться от скандала, каждый из членов семьи изменил свои имена, и Роберт Генри Козад стал Робертом Эрлом Генри (произносится как Хен-Ри). (слева: Роберт Анри (1865-1929), Автопортрет, 1903, холст, масло, Университет Небраски-Линкольн, подарок г-жи Ольги Н. Шелдон)

Несмотря на успех в Денвере, Козады, ныне Лизы, знали, что там мало возможностей для образования и будущего их сыновей, поэтому в 1883 году они переехали на восток и поселились в Атлантик-Сити, штат Нью-Джерси. Там Генри написал свои первые две картины. и, когда его увидел друг, его посоветовали пройти формальное обучение искусству. В следующем году Анри поступил в Пенсильванскую академию изящных искусств (PAFA), старейшее художественное учреждение в США, в Филадельфии, штат Пенсильвания. Учебный план был строгим. Он включал изучение анатомии, многочасовое рисование, рисование и моделирование человеческой фигуры, а также занятия по композиции, перспективе и портретной живописи. Со временем Анри улучшил свои художественные навыки и завоевал восхищение своего наставника Томаса Аншутца.

Проработав два года в PAFA, Анри понял, что ему придется поехать в Европу, если он хочет получить полное формальное художественное образование. Итак, в 1888 году Анри отправился в Париж и поступил в Академию Жюлиана, а затем перешел в Eacutecole des Beaux-Arts, одну из самых известных и уважаемых художественных школ в мире.

В 1891 году Анри вернулся в Филадельфию и в следующем году начал свою долгую карьеру в качестве преподавателя искусства. Его первая работа была в Филадельфийской школе дизайна для женщин. Он также продолжил формальное художественное обучение в PAFA.

За это время Анри познакомился и подружился с группой молодых художников и газетных иллюстраторов, которые восхищались его талантом и тем фактом, что он был одним из немногих художников в Филадельфии, которые учились в Париже. Анри пригласил этих
мужчин в его студию для еженедельных дискуссий по искусству, этике, литературе, музыке и политике, что, следовательно, создавало динамичную художественную среду. Но что еще более важно, он читал лекции о роли художников в Соединенных Штатах. Анри твердо верил, что серьезные художники должны развивать свои собственные средства выражения, а не поддаваться давлению, заставляя следовать - и увековечивать - эстетические условности.

Из тех, кто присутствовал на еженедельных обсуждениях, четверо были иллюстраторами газет, а именно Уильям Глакенс, Джордж Лукс, Эверетт Шинн и Джон Слоан, которых все вместе называли «Филадельфийской четверкой». Хотя трое из четырех учились в PAFA, они не стремились стать серьезными художниками. Анри, однако, поощрял их рисовать. Он никогда не навязывал им стиль, потому что хотел, чтобы они разработали свои собственные средства выражения. Однако он дал совет:

«Нарисуйте то, что чувствуете. Нарисуйте то, что видите. Нарисуйте то, что для вас реально ".

During the latter-half of the 1890's, Henri divided his time between Philadelphia and Paris. He believed Philadelphians, compared to Parisians, were not as accepting of his works. In order to gain acceptance and recognition in Philadelphia, or anywhere in the United States, he first had to prove himself as a successful artist in Paris. And that he did. In 1896, one of Henri's works was accepted for the Salon and, in 1899, three more of his works were accepted. The following year, Henri returned to the United States and settled in New York, where the "Philadelphia Four" also settled.

In 1902, Henri accepted a teaching position at the New York School of Art. He was an extremely popular instructor, and quickly found himself receiving awards and serving on juries at various institutions, including the relatively conservative National Academy of Design. Although Henri disagreed with the Academy and its stance on art, he hoped he could reform it from within. Although his works were often accepted for the Academy's annual exhibition, largely because they were portraits, works by other young artists, such as Glackens, Luks, Shinn, and Sloan, were not.

In 1907, after years of fighting with the Academy, Henri withdrew two of his works from the annual exhibition, citing an unfair attitude towards young artists, and organized his own exhibition, featuring his and his friends' works. The result was the exhibition of "The Eight" (i.e. Henri, Glackens, Luks, Shinn, Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, and Maurice Prendergast) at the Macbeth Gallery in New York. The exhibition, which opened on February 3, 1908, was an immediate success, not only because of its publicity, which was provided for by the "Philadelphia Four," but also because the works were more accurate and livelier representations of life in the United States than anything selected for exhibition by the Academy. In all, over 7,000 visitors attended the exhibition and about $4,000 worth of works were sold. Reaction from the critics was mixed although some disliked their coarse, vulgar subjects and lack of technique, others praised their creativity and truthfulness regarding the diversity and social conditions of the United States, as well as their individuality without being confined to the Academy's conservative standards. (left: Robert Henri (1865-1929), Gypsy Girl in White, 1916, oil on canvas, University of Nebraska-Lincoln, Howard S. Wilson Memorial)

The exhibition of "The Eight" marked a turning point in the art world, particularly in the United States. It proved, once and for all, that a group of progressive artists could hold an exhibition that was successful with both the amount of people it attracted and the amount of money it generated. And it was only a starting point. Its success gave "The Eight," as well as other progressive artists, the courage and determination to continue their fight against the Academy by holding larger and more radical exhibitions of both American and European art. Such was the case with the Armory Show of 1913, where Henri exhibited five works.

After several years of teaching at the New York School of Art, Henri opened his own school, the Henri School of Art, where he taught such artists as Patrick Henry Bruce, Stuart Davis, Edward Hopper, Rockwell Kent, and Yasuo Kuniyoshi, all of whom are represented in the Sheldon's permanent collection. He also taught at the educationally and politically radical Ferrer Modern School, where Man Ray and Leon Trotsky attended his classes and, later, at the Art Students' League. In 1923, Henri's importance and influence were carried beyond the classroom with the publication of his book The Art Spirit, a collection of his lecture notes, criticisms, and other remarks on art. It is still in print today.

During the latter years of his life, Henri taught during the school year and traveled throughout the United States and Europe during the summer, often looking for subjects for his works. He grew particularly fond of Achill Island, off the coast of Ireland, where he spent many summers. Its simple way of life, not yet corrupted by civilization, was of great interest to him.

Henri died from cancer on July 12, 1929. He was 64.

Born in Columbus, Ohio, George Bellows was a major American artist of the early 20th century, known for his paintings of boxing match figures and for his lithographs of his paintings. Bellows cemented his place in American art with his series of works depicting urban life in New York City, circa 1910. He enjoyed much critical acclaim during his life, and was elected to the National Academy of Design. At the height of his career, Bellows died from appendicitis at the age of 42.

Arthur B. Carles was one of the first American proponents of Abstract Expressionism. He spent most of his life in Philadelphia where he studied, taught and exhibited at the Philadelphia Academy of the Fine Arts. Carles' paintings span turn-of-the-century academic impressionism, early American modernism, and the mid-century emergence of Abstract Expressionism. Regarded as a pioneer early in the century, he became an innovator. By the end of his career he was well ahead of his time.

William Merritt Chase is one of the most famous of all 19th century American painters, both as a painter coming out of the Munich tradition into modern impressionism and as a talented teacher. He studied painting in Munich for six years, and upon his return to the United States in 1878, quickly established himself as one of the foremost Impressionist painters in New York. Originally known for portraiture and still life work, he also gained a reputation for landscape painting.

Arthur B. Davies gained a reputation for ethereal figure paintings that expressed lightness and mysticism. He was also a principal organizer of the 1913 Armory Show. Davies developed a style that combined Symbolism with elements of Tonalism, Art Nouveau, and Cubism, and became increasingly interested in expressing a feeling of lightness in figural compositions. His involvement with the Modern artists is reflected in his production of cubist-inspired works during the period. He also did printmaking, producing some two hundred graphic works between 1916 and his death in 1928.

Born in Philadelphia, Pennsylvania, William Glackens became one of the Realist painters following Henri. His first job was as an artist-reporter for the Philadelphia Record . He then moved to the Philadelphia Press where Luks, Shinn, and Sloan were also employed. In 1919, he began sharing a studio with Henri, who encouraged Glackens to pursue a full-time career as a professional artist. Early in his painting career, he painted numerous scenes of Washington Square and Central Park. Glackens also adopted Impressionism and did many paintings of seaside resorts on Cape Cod and Long Island.

A painter and major organizer of the Armory Show, Walt Kuhn is perhaps best known for his circus figure/clown depictions. He also painted still lifes and landscapes. Kuhn was inspired and influenced by many artists, most notably Paul Cézanne. He was a key figure in forming the American Association of Painters and Sculptors, which organized the Armory Show of 1913. Kuhn was executive secretary of the Association and traveled abroad to select entries for that exhibition.

Working in a near-pure Impressionist style, Ernest Lawson's works often featured the urban landscape of New York. Lawson was born in Kansas City and studied at the Art Students League in New York City. Following brief study in Paris, Lawson stayed close to his home near Washington Heights, where he painted his most important canvases. In contrast to the other members of The Eight, who were all considered Social Realists, Lawson was the only member who exhibited pure landscapes. He worked in an Impressionistic style, and many of his works focus on the influence of human beings on the landscapes.

George Luks was a leading figure in the New York art world in the early part of the 20th century. He did lively portraits and genre paintings of everyday people engaged in activity, rather than self-consciously posed. He studied in Europe for several years and was much influenced by the paintings of Rembrandt and Frans Hals. He then worked for the Philadelphia Press , doing quick, accurate reportorial sketches, a method that became his forte. In Philadelphia he became friends with Sloan, Henri, Glackens and Shinn. In 1896 he moved to New York City, where he painted the people he saw on the street and joined with the Henri circle in depicting social realism.

Maurice Prendergast is known as a neo-impressionist rather than an Ashcan painter who was a member of The Eight. He is known for his lively, playful scenes that combine bold contoured forms with decorative surface patterning and bright, prismatic color. For most of his career he worked primarily in watercolor, but in the mid 1910s began to paint more in oil. He also made over 210 monotypes. By the time of his death in 1924, Prendergast had become one of the most famous American painters, well known for his views of the coastlines, beaches and parks in and around New England and Italy.

Everett Shinn was a Social Realist painter who focused on lower-class urban themes. He was also a cartoonist and illustrator. With the encouragement of Henri, Shinn moved to New York City, where he continued illustration work for various publications, and began exhibiting his paintings in fine art venues. Shinn's early paintings and pastels reflect his interest in the depiction of city living. His artwork also reveals an enchantment with the more glamorous aspects of urban life. In particular, Shinn's obsession with the theater may be seen in many dynamic works, which depict actresses, singers, and dancers on the stage, often compositionally related to the pastels of Edgar Degas.

John Sloan was a member of the Ashcan School and was an illustrator, painter, and printmaker. He became one of the major early 20th century figures in the Social Realist movement. He began his career as a newspaper illustrator for the Philadelphia Inquirer Sloan enrolled in a drawing class at the Academy taught by Thomas Anshutz, and eventually began renting Henri's studio, which became a meeting place of other young newspaper illustrators. After the 1913 Armory Show, Sloan experimented with more radical painting styles. Although he considered himself a professional artist, he continued to support himself as a commercial illustrator until 1916. Sloan was also an early eastern painter in the Southwest, active in the Santa Fe colony and in getting other eastern artists to head west.

Following is additional text excerpted from panels placed on the walls of the exhibition:

As an artist, art teacher, and advocate for modern art, Robert Henri influenced, and continues to influence, generations of artists with not only his artworks but also through his book, The Art Spirit , published in 1923, which remains in print and is still in high demand today. Henri's philosophy of art was an important catalyst in the history and development of international modern art in the United States. His philosophy was derived from romantic humanism, modernism, and American pragmatism, a blend that made European modern art less threatening to an art audience skeptical of abstraction and avant-gardism. Henri's interest in developing the artist's individual expressive freedom enabled artists to enter the international art world in an unprecedented manner. In fact several members of The Eight were instrumental in organizing and promoting the famous Armory Show of 1913, Americas first dose of European modernism, which represented a major watershed in American art and culture. This exhibition, of which Henri took part, had an inescapable effect, both directly and indirectly, on him, challenging his artistic beliefs and personal leadership. Representing the full spectrum of artistic styles that manifest the scope of Henri's influence, George Bellows, William Merritt Chase, Arthur B. Davies, William Glackens, Walt Kuhn, George Luks, Maurice Prendergast, Everett Shinn, and John Sloan are all associated with this initial American foray into modernism in the twentieth century. The Sheldon Memorial Art Gallery and Sculpture Garden presents Henri's work in the context of the many important artists he influenced in the first decades of the twentieth-century. Many of these artists were associated with both The Eight and later with the so-called Ashcan School, both of which were shaped and sustained by the energies of Henri. The Eight, which exhibited during the first decade of the twentieth century, included artists William Glackens, George Luks, Everett Shinn, John Sloan, Arthur B. Davies, Ernest Lawson, Maurice Prendergast, and Robert Henri. Functioning essentially as an exhibiting group or community and not because of a similar style or aesthetic art form, these artists represented a tremendous aesthetic diversity that came to characterize the history of modern art in the United States. The term Ashcan School, which first appeared in a 1934 book by Alfred Barr and Holger Cahill, describes some of The Eight who were interested in the banal and mundane subject matter and usually painted them in a dark palette derived from the Munich School. Indeed, the interrelationship of The Eight and the Ashcan School are due to Henri's strong involvement with both groups. With thirty paintings and works on paper and a collection of archival materials, the Sheldon Memorial Art Gallery collection is the most comprehensive public assembly of Henri's oeuvre.

Read more articles and essays concerning this institutional source by visiting the sub-index page for the Minnesota Museum of American Art in Resource Library Magazine

Поищите другие статьи и очерки об американском искусстве в библиотеке ресурсов. См. Раздел «Выдающиеся артисты Америки» для получения биографической информации об исторических художниках.

Эта страница была первоначально опубликована в 2002 году в журнале Resource Library Magazine. Дополнительные сведения см. В разделе «Обзор библиотеки ресурсов».

Copyright 2012 Traditional Fine Arts Organization, Inc. , an Arizona nonprofit corporation. Все права защищены.


Robert Henri


National Art Databases and Museum Inventories:

Smithsonian American Art Museum National Art Inventories
List of works nationwide from two sources: the Inventory of American Paintings Executed before 1914 and the Inventory of American Sculpture (only a few percent of listings have an accompanying image)

Christie's Past Sale Archive
(database goes as far back as 1991 images go about as far back as 1999)

Sotheby's Sold Lot Archive
(database goes as far back as 1998 images where permitted by copyright go about as far back as 2001)

Additional Image Search Tools:
(SafeSearch set to "strict" go to Advanced Search (Flickr/Google) or Preferences (Bing) to change)

Salon Acquisitions in France by the Service des Beaux-Arts, 1864-1901 (in French)
(Vintage documentation reproductions are monochrome but usually quite large)
La neige , from the Salon of 1899

Encyclopedia Britannica complete article on Robert Henri
Note: The full version of the article is available only if you follow this link . If you bookmark the article and return later, or if you navigate directly to the Britannica website, you will see a 100-word preview only. Исправление проблем

Union List of Artist Names (Getty Museum)
Reference sheet with basic information about the artist and pointers to other references.

Antiques & Fine Art Magazine
"Painterly Controversy: William Merritt Chase and Robert Henri" (2007)

"Look Inside" and "Search Inside" Books at Amazon
Look Inside Books:Selections from the books listed below are scanned in, in high res. Text is clearly readable and art reproductions vary from so-so to excellent. Don't miss the fact that you can usually zoom in via the "View" drop-down menu, along the top row of Amazon's Online Reader.
Search Inside Books:Same as "Look Inside", except that the entire book is scanned in, and the text is fully searchable . This is an unbelievable resource, for research and especially for previewing a book when making the decision to buy.
Note: Some "Search Inside" features are limited to people signed in to an account which has previously made a purchase at Amazon.
search inside

The Art Spirit

We cannot be responsible for the content of external web sites.

All images and text on this Robert Henri page are copyright 1999-2015 by John Malyon/Specifica, Inc., unless otherwise noted. Note that the listings on this site are a unique compilation of information and are protected by copyright worldwide.


Blue Heron Blast



In my opinion, Robert Henri was the most pathetically overhyped American artist and the Ash Can School only possibly matched by the Oakland Society of Six in it's members lack of artistic merit and their overblown popularity. In fact, the latter day artist that most favorably compares to Henri is Walter (Margaret) Keane. They both liked to paint syrupy portraits of children with big eyes, however Keane was never under the illusion that he was creating great art. Like Keane, Henri's subjects always had the same rosy cheeks and monotonous and unwavering emotional palette. He used thick impasto and big sloppy brushwork.

Из Википедии:

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met in his studio to discuss art and culture, including several illustrators for the Philadelphia Press newspaper who would become known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, George Luks, Everett Shinn, and John French Sloan. The gatherings became known as the "Charcoal Club", featuring life drawing and readings in the social philosophy of Ralph Waldo Emerson, Walt Whitman, Émile Zola, and Henry David Thoreau. By 1895, Henri had come to reconsider Impressionism, calling it a new academicism. In 1906, he was elected to the National Academy of Design, but when painters in his circle were rejected for the Academy's 1907 exhibition, he accused fellow jurors of bias and walked off the jury, resolving to organize a show of his own. He would later refer to the Academy as "a cemetery of art."


In February 1908, Henri organized a landmark show entitled "The Eight" (after the eight painters displaying their works) at the Macbeth Gallery in New York. Besides his own works and those produced by the "Philadelphia Four" (who had followed Henri to New York by this time), there were paintings by Maurice Prendergast, Ernest Lawson, and Arthur B. Davies. These painters and this exhibition would become associated with the Ashcan School, although the content of the show was diverse and that term was not coined until 1934. In May 1908, he married 22-year old Irish-born Marjorie Organ.


In 1910, Henri organized the Exhibition of Independent Artists, a no-jury, no-prize show modeled after the Salon des Independants in France. Works were hung alphabetically to emphasize the egalitarian philosophy. Walt Kuhn, who took part in this show, would come to play a key role in the Armory Show, an exhibition mounted in 1913 that introduced many American viewers to avant-garde European art. Five of Henri's paintings were included in the Armory Show.


Now the salient question is how the American public, exposed and nurtured on the brilliance of Hassam, Eakins, Whistler and Sargent, could fall for these bogus antecedents of 50's clown genre painting. I think the answer is the New York centricism that both then and now pervades the art market. You could have a blind chihuaha tap dancing on a canvas with paint on its paws and someone in the five boroughs would proclaim it an artistic tour de force. And the American public would buy it. The rest of the eight, with the possible exception of Glackens, were similar one trick pony nogoodniks, whose exalted status has been fraudulently foisted on the American public. Sloan lacked rudimentary drawing skills, Prendergrast's work was thin and repetitive, Luks and Shinn were interesting artists in a regional sense, sort of second rate corollaries to the European Schiele and Klimt, but not deserving of the acclaim they ultimately achieved. These painters were awarded the sobriquet "Apostles of Ugliness" by the public, based on their gritty representation of life during the time. That verite is well and good if the image is at least rendered well or imaginatively. Bellows and Hopper are sometimes associated with the Ash Can school but their work stands head and shoulders above the original eight in it's brilliance.

Из Википедии:
Walter Keane was born in Lincoln, Nebraska, Walter Keane became a highly-popular post World War II figure painter of wide-eyed "lost" children, waif-like and sympathy provoking. These images were reproduced throughout the world with originals in many collections including the United Nations, the National Museum of Contemporary Art in Madrid, Spain, and the National Museum of Western Art in Tokyo, Japan. At the age of fifteen, he moved to Los Angeles to live with an uncle, and as a young adult, seemed headed towards a business career, following in the footsteps of his father. However, he began painting on his own, and in 1938, abandoned the business idea to attend college in Berkeley from where he graduated three years laterHe became so torn emotionally between the pressure of his father to be practical and go into business and his own inner drive to be an artist that he developed ulcers. But late in 1943, he made the final decision to become an artist and painted full time for a year in Berkeley and then enrolled in the Ecole des Beaux Arts in Paris where he lived a raucous Bohemian-style life. In Paris, he painted street scenes and figures including nudes, and from 1946 to 1947, he went to Berlin where he began his signature theme of "Lost Children." These paintings were inspired by his shock at seeing the thousands of war-orphaned, poverty-stricken children. Wanting to capture the realism of these people, he abandoned the Abstract Expressionism he had flirted with and focused on a style that more closely resembled Realism with elements of Modernism. He stayed in Europe until 1949 and then returned to Berkeley where he worked from his Berlin drawings and did a lot of painting in Sausalito, living at North Beach. He married his wife, Margaret, also an artist, and they lived in Oakland, and became public personalities because his work was collected by so many movie stars. By 1956, he and Margaret opened a gallery at the Royal Hawaiian Hotel in Honolulu, and again his work got much attention. Shortly after, the couple returned to San Francisco where they had a gallery at 494 Broadway for two years and then opened a gallery in New York City. Again he had many collectors but also received criticism for being repetitious with every canvas having a "lost" child. In 1965, Walter and Margaret Keane divorced, and a judge ruled against him when he made claims that certain paintings of waif-like children signed Keane were by him. When the judge asked Margaret and Walter to each produce a painting in that style and subject matter, he declined and she readily performed. The conclusion, according to "Artnews" November, 2000 is that some of the paintings attributed to him are in fact by his former wife.

When I was taking art history in college, I dared to ask if these guys were in fact wearing clothes. Some of the abstractionists seemed to be lousy painters looking for an "easy" venue to hide their natural lack of talent. This would tend to enrage the professors, who said that of course they knew how to draw, but they had gone beyond the yeoman's craft of drawing and painting. The truth is that many never learned how to draw. Look at Selden Connor Gile and compare his draftsmanship to your average second grader and tell me honestly who has the superior skills? And you may want to find a couple of those neat Keane paintings. If Henri is such a big splash, they are bound to appreciate.


Looking Up to His Noble Father: The Early Life of Henry I

The death of a great king rarely failed to cause succession troubles, no matter the historical period. The king’s wealth and power are coveted by his offspring even before he is dead. And in early Norman England, this was especially true.

William, starting off as the Duke of Normandy , managed to greatly expand his power after launching a successful invasion of Anglo-Saxon England in 1066. Over the next few decades, he solidified his rule and in many ways greatly changed the face of medieval Europe. Of course, as a powerful ruler, William the Conqueror sired many children. He and his wife Matilda had at least nine children, however not all of them reached adulthood. The succession struggles would ultimately fall to his three sons: Henry, William Rufus, and Robert Curthose. All three of them inherited their father’s cunning and the desire to rule, all the more emphasized by their restless Norman roots.

The Bayeux Tapestry, chronicling the English/Norman battle in 1066 which led to the Norman Conquest, led by William the Conqueror, father of King Henry I. (alipaiman / Всеобщее достояние )

Henry’s date of birth is generally accepted as 1068 AD. The location of his birth is most likely Selby, located in Yorkshire. His date of birth tells us that it happened just two years after his father, William, conquered England. His mother was Matilda of Flanders, the daughter of a prominent nobleman, Count Baldwin V of Flanders. Henry was the youngest son of this noble couple and the fourth son overall.

An early portrait of the young Henry I long before he became king of England. ( Всеобщее достояние )

However, the couple’s second son, Richard of Normandy, would die early on in his youth, and that left only Henry, William, and Robert. There was also a noticeable age difference between the brothers, as Henry was born more than a decade after his siblings. However, this difference in no way stopped the brothers from vying for power.


Robert Henri (1865-1929)

WORLDS BEST PAINTERS
For top creative practitioners, see:
Best Artists of All Time.
For the greatest view painters, see:
Best Landcape Artists.
For the greatest genre-painting, see:
Best Genre Painters.

WHAT IS VISUAL ART?
For an explanation of the
terminology, see:
Art: Definition and Meaning.

American painter, Robert Henri was one of the leading figures of the Ashcan School of Art in New York. This was an art movement best known for a style of oil painting which portrayed the realism of everyday life in New York. Henri was also noted for his portrait art and figurative works. Born in Ohio, his family moved to New York when he was a teenager. He studied in Paris at the Julian Academy, where he came under the influence of French Impressionism. He continued his studies at the Ecole des Beaux Arts and the Pennsylvania Academy of the Fine Arts. It was at the Pennsylvania Academy, that he met the first members of the Ashcan School, the modern artists William Glackens (1870-1938), George Luks (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) and John French Sloan (1871-1951). The other painters who joined to make "The Eight", were Arthur B. Davies (1862-1928), Ernest Lawson (1873-1939) and Maurice Prendergast (1859-1924). They held their first group exhibition in 1908 to critical acclaim. By this time Henri had rejected traditional academic painting and Impressionism in favour of a raw, realistic, almost muddy style. In 1913 five of Henri's paintings were accepted for the famous Armory show, the exhibition that first introduced the American public to European modern art. Between 1915 and 1927 he was an influential teacher at the Arts Student League, some of his pupils included Edward Hopper (1882-1967), George Bellows (1882-1925), Rockwell Kent (1882-1971) and Yasuo Kuniyoshi (1893-1953). Henri's best known paintings include: Snow in New York (1902, National Gallery, Washington DC) and Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery).

He was born Robert Henry Cozad in Cincinnati, Ohio, the son of a professional gambler and businessman. In 1881 his father was indicted for manslaughter and a year later, the family fled to Atlantic City, New Jersey. His father was cleared of the crime but his name was ruined. To avoid further scandal he changed the family name to Henri. In 1886, Henri enrolled at the Pennsylvania Academy of Fine Arts, studying under Thomas Pollock Anshutz (1851�), who himself had learned from American Realist Thomas Eakins (1844�). Henri also studied under Thomas Hovenden (1840㫷), a painter of domestic realistic scenes. In 1888 he travelled to Paris and enrolled at the Julian Academy, under the classical academic painter Adolphe-William Bouguereau (1825�), and Tony Robert-Fleury (1837�), known for his historical compositions and portraits. Although Henri was to reject many aspects of his academic training, from Bouguereau he learned the importance of designing the canvas as a whole in order to achieve a unified composition. He also adopted the academic technique of making rapid oil sketches (known as pochades) as preparatory studies for larger works. During the summers, like many artists before him, he painted in Brittany and Barbizon, and visited Italy to view its Antiquities and Renaissance masterpieces.

In 1891 he studied briefly at the Ecole des Beaux-Arts before returning to America and the Pennsylvania Academy. At the same time, he became an art teacher at the School of Design for Women, where he taught for three years. He continued to make regular trips to Paris, where he was particularly influenced by the work of Frans Hals (1580-1666), Edouard Manet (1832㫫), Goya (1746-1828) and Velazquez (1599�) in the Louvre. In 1899, his painting The Snow was purchased by the National Museum of Luxembourg, this was his first museum sale.

The Group of Eight and the Ashcan School

In Philadelphia, Henri began to attract a group of followers who met at his studio to discuss culture and aesthetics. They discussed the novels of Balzac, Tolstoy and Zola, marked by their powerful descriptions of the lives of the working class. Henri became convinced that art could be noble, on a par with writing, and could a meaningful tool for portraying the plight of the poor.

He shared this thought with four others, who were illustrators for The Philadelphia Press who became known as the 'Philadelphia Four': William Glackens, Everett Shinn, George Luks and John French Sloan. Henri met them all while studying at the Pennsylvania Academy. They were soon joined by Arthur B. Davies, Ernest Lawson and Maurice Prendergast (1859-1924) and, together, became known as the Group of Eight. Their subject matter was the grit and dirt of cityscapes, in particular New York where they were based.

Henri's Snow in New York (1902, National Gallery of Art, Washington DC) is a wonderful example. He depicts New York's brownstone apartments hemmed in by faceless city blocks. The noise of the city is quietened by the newly fallen snow, which reveals grey slush and traffic ruts left by the horse and carts. The artist urged his students to reject the 'Ideal' and instead to focus on 'Reality'. This was the core of his individual contribution to American art. He promoted the idea that painting should spring from life, not from academic theories or classical aesthetics, and became a powerful influence in persuading young painters to capture the richness of urban reality, rather than rely on academic notions about art.

The Group of Eight held their first famous exhibition in 1908 at the Macbeth Gallery in New York. The work on display was diverse, only five of the artists were painting gritty urban scenes. There was no central organisation, in fact the first person to use the term 'ash can' was the cartoonist Art Young (1866-1943) in 1916. The term was later also applied to other artists such as Edward Hopper and George Bellows as they also portrayed city scenes. However Hopper rejected the classification, stating that his cityscapes had 'not a single incidental ashcan in sight'. All were unified however in their rejection of the genteelism of American Impressionism - see for instance works by Childe Hassam - which was more popular at the time. In contrast to the lightness of Impressionism, the Ashcan's canvasses were generally dark in tone, capturing fleeting but harsh elements of daily life. Prostitutes, boxing matches, drunks and overflowing tenements were common themes.

Henri is also known for his portrait paintings, which remained his primary form of expression. He built on the tradition of American Realism established by the great Thomas Eakins. His refusal to beautify his sitter beyond reality earned him the epithet the 'Manet of Manhattan'. In light of this, it's perhaps not surprising that his portraiture was not especially lucrative, and he was obliged to rely on teaching for his main income. His early portraits were dramatically dark, in the manner of Velazquez, Whistler and Manet - painted so as to impress juries at exhibitions. However, after the 1913 Armory Show, he took a trip to California which led to a period of great experimentation: his paintings took on a fresher, more modern look, as can be seen in Tam Gan (1914, Albright-Knox Art Gallery). By 1916, although no longer viewed as a forerunner of new developments, he continued to experiment with his painting. A masterpiece of this period is the life-size painting of Ruth St Denis, a dancer, painted in 1919. Between 1924 and 1928, he spent periods of time on Achill Island in Ireland, where he painted the local children as well as the local landscape. See also: Irish Art Guide.

In 1910 Henri organised the first Exhibition of Independent Artists and, in 1913, helped the Association of American Painters and Sculptors organise the Armory Show. This Show, also known as the International Exhibition of Modern Art became a seminal event in the history of American art. It introduced amazed New Yorkers - accustomed to realist art - to avant-garde art from Europe, including highly abstract works of Cubism and Futurism. The show served as a catalyst to American artists to free themselves from realism, and create their own independent artistic language. On the other hand, it also marked the point at which Henri's influence began to wane, although he continued to win awards and recognition.

From 1915 to 1927 he taught at the prestigious Art Students League, where he was a progressive and highly influential teacher. He continued to paint, displaying an interest in the works of Whistler and certain symbolist painters. He wrote and spoke about the American painters Winslow Homer and Thomas Eakins, and the Europeans Velazquez and Manet. Henri's thoughts on art inspired his students, influenced later realist movements like American Scene Painting and Regionalism, and he continued to be quoted well into the 1980s, latterly by the graffiti artist Keith Haring (1958-90). Henri died in 1929. Two years later the Metropolitan Museum of Art held an exhibition in his honour.

Paintings by Robert Henri can be seen in many of the best art museums throughout the world.

• For more biographies of New York artists, see: Famous Painters.
• For our main index, see: Homepage.


Смотреть видео: 12 раз когда Тьерри Анри потряс мир. Лучшие моменты